Entrevista Jacques Audiard, director de «París, Distrito 13»

Es uno de los directores franceses más respetados del panorama cinematográfico contemporáneo y uno de los pocos que ha logrado un estilo absolutamente propio a pesar de beber de diversas fuentes. Su cine es sobrio pero intenso, frío y cálido a la vez, profundo y cargado de sentido. Una compleja fusión de conocimiento, experiencia y creatividad que plasma en películas memorables como De óxido y hueso, De latir mi corazón se ha parado y Un profeta.

Mañana, viernes 8 de abril, se estrena en cines su nueva película París, Distrito 13. Gracias a Avalon Distribución os ofrezco esta interesante entrevista en la que nos cuenta todos los detalles del guion, la estética, el casting y cómo surgió la idea.

¿Por qué elegiste Olympiades como título francés de la película?

Olympiades es un barrio de rascacielos en el centro del distrito 13 de París, entre la rue de Tolbiac y la Avenue d’Ivry. Este barrio surgió por un programa de rehabilitación que tuvo lugar en los años 70, de ahí que su homogeneidad arquitectónica sea muy visible. Como tributo a los Juegos Olímpicos de Invierno de 1968 en Grenoble, cada torre lleva el nombre de una ciudad que ha acogido los Juegos Olímpicos: Sapporo, México, Atenas, Helsinki, Tokio… y las calles llevan el nombre de los deportes olímpicos: rue du Javelot [calle de la Jabalina], rue du Disque [calle del Disco]. Olympiades es un barrio muy original, exótico y animado con una impresionante mezcla social y cultural. Allí viven los personajes de la película y allí se cruzan sus caminos. El término “Olympiades” también es una referencia a las hazañas atléticas, y si piensas en términos lujuriosos, también puede referirse a los logros sexuales de los personajes.

El guion es una adaptación de tres relatos del escritor estadounidense de novelas gráficas Adrian Tomine. ¿Qué te gustó de su universo y cómo elegiste las historias que ibas a adaptar?

Las narrativas de Tomine son concisas, pegadas a la realidad, con personajes perdidos y en busca de algo que no saben cómo definir. Me gustaron todos esos aspectos. Además, sus dibujos son muy sencillos e impactantes, no distraen de la narrativa y parecen hechos para el cine, casi como un storyboard. Además, en la línea de Eric Rohmer, Adrian Tomine también es un moralista: al final de esos relatos, sus personajes parecen haber aprendido algo sobre la vida y sobre sí mismos. 

¿Cómo se te ocurrió la idea de la película? ¿Qué te sucedió para que un día te despertaras y dijeras: “Hoy voy a adaptar tres relatos de Tomine”?

Cada vez tengo más la impresión de que la expresión “buscar un buen tema” no tiene mucho sentido y que “buscar un tema” es probablemente la forma más segura de no encontrarlo nunca o, en el mejor de los casos, de encontrar un tema malo. No buscas un tema, pero piensas en formas y patrones, en cosas en general, compuestas por luces, ritmos, colores, sonidos, tipos de personajes y temáticas. Por ejemplo, después de hacer Los Hermanos Sisters, empecé a pensar de forma natural en algo totalmente opuesto, una historia urbana, con personajes de la ciudad y un perímetro limitado (el distrito 13 de París) sin color y con poca acción. Y un día, un amigo me habló de la obra de Adrian Tomine, con la que no estaba familiarizado. La leí y todas esas cosas que rondaban por mi cabeza empezaron a cristalizar y poco a poco todo se convirtió en París, Distrito 13.

Foto: ©ShannaBesson / Cortesía de Avalon Distribución

Por encima de todo, París, Distrito 13 es una película sobre la juventud.

Es cierto que son jóvenes pero ya no son adolescentes. Los cuatro protagonistas son adultos jóvenes que ya tienen cierta experiencia de vida y que van a encontrarse y amarse. Todos tienen vida social; no son ermitaños. Tres de ellos están en la treintena y ya han tenido dificultades para encontrar una vivienda o un trabajo, están atravesando crisis profesionales y son incapaces de definir su sexualidad y menos aún de tener una relación. Cambian su estilo de vida cuando acaban de ser autosuficientes. Están en ese punto, como las almas perdidas de los relatos de Adrian Tomine. El personaje de Camille (Makita Samba) es una joven profesora de instituto, que ya está desilusionada con el sistema escolar. Nora (Noémie Merlant) ha venido a París para volver a estudiar después de un pasado familiar doloroso. Después de pasar muchos años estudiando en la universidad, Emilie (Lucie Zhang) ha elegido, al parecer deliberadamente, mantenerse a flote con trabajos precarios. Amber Sweet (Jehnny Beth) es una ‘cam girl’ (una chica que se desnuda frente a una webcam mientras la observan extraños por Internet) que pasa por primera vez al otro lado de la pantalla. De hecho, todos los personajes se enfrentan a la desilusión, pero en el buen sentido de la palabra porque se engañaban a sí mismos. Las experiencias que van a vivir les abrirán los ojos a quiénes son en realidad, a lo que quieren y a quién aman de verdad.

La película, que está muy pegada a la realidad actual es decir a 2020, se rodó en blanco y negro, lo que va contra la lógico pero le da un aspecto intemporal.

Ya he rodado bastante en París y me parece que no es una ciudad fácil de filmar: se parece demasiado a un museo, es demasiado haussmanniana; no hay suficientes perspectivas ni líneas… Elegir el distrito 13 y rodar en blanco y negro me permitió conseguir algo más gráfico, algo que no coincide con lo que esperas de París. Filmamos esta ciudad europea casi como si fuera una metrópoli asiática. Se podría decir que París, Distrito 13 es en cierto sentido una “película de época contemporánea”. Y también está la referencia visual a  Manhattan de Woody Allen.

Hay un solo momento que se filma en color, y resulta ser muy simbólico.

Sí, es cuando Amber Sweet, la cam girl, aterriza en la historia e introduce la pornografía. Solo puedes ver a Amber, en la pantalla del ordenador o del teléfono. Ella vive lejos de París pero de hecho, es el personaje más influyente de la historia. Pone la vida de Nora patas arriba y, a través de un efecto dominó, ella también acaba cambiando las vidas de Camille y Emilie.

Hablemos de los personajes, empezando por la pareja Emilie/Camille, cuya historia se cuenta en la primera parte de la película.

Emilie, una joven franco-china, se debate entre las expectativas que su familia ha depositado en ella y su libertad de mujer joven. Acaba de graduarse de la prestigiosa Escuela de Ciencias Políticas (Sciences Po), pero ha decidido ganarse la vida con trabajos poco cualificados (operadora en un call center, camarera). Es muy inteligente pero pierde mucho tiempo luchando contra las expectativas de su familia y se muestra arrogante con ellos. Camille es más normal. Vemos más a su familia. Conocemos a su hermana, que intenta trabajar como monologuista. Son una familia que ha vivido dentro del sistema de la educación pública. Podemos imaginarnos fácilmente a su madre como profesora de inglés o español y a su padre como profesor de matemáticas. Camille enseña literatura y está atravesando una crisis profesional. En su relación con los demás, resulta encantadora pero también es insoportable. Es ingeniosa y lo sabe y le gusta escucharse. Le interesan las mujeres, su vida amorosa y su libertad. Pero al perseguir ciegamente esos intereses, termina cayendo en su propia trampa.

Háblanos de Nora y Amber, la otra “pareja” de la película.

Nora tiene 33 años. Ha huido de la vida provinciana y de su profesión de agente inmobiliaria para volver a estudiar en la Universidad Paris-Tolbiac. Es una mujer que no sabe que es hermosa e inteligente. Cree que es aburrida, pero lo que le ocurre es que no está a gusto consigo misma. Conocer a Camille la apaciguará momentáneamente, pero es su encuentro con Amber Sweet lo que va a dar un cambio radical a su vida. Amber, que es directa, valiente y conoce la vida, le enseñará lo que significa la libertad de todas las formas posibles. Va a cambiar profundamente a Nora.

Cuéntanos cómo elegiste a los actores y tu trabajo con ellos.

Christel Baras, la directora de casting, fue fundamental en la elección de los actores. Encontrar a Lucie, Makita, Noémie y Jehnny es mérito suyo.

Como cada miembro del reparto tenía un nivel de experiencia diferente, trabajamos mucho en la preproducción: por supuesto en los ensayos, pero también en sesiones concretas de trabajo físico y de movimientos para afrontar las escenas de “sexo” con la mayor serenidad posible.

Tres días antes de que empezara el rodaje de la película, repasamos todo el guion de principio a fin en un teatro de París. Fue una oportunidad para que los actores se conocieran, se vieran en sus papeles y tuvieran una idea de lo que funcionaba y de lo que no, y también de crear un ambiente de confianza. Además, como habíamos dedicado tanto tiempo a ensayar, estábamos seguros de que el rodaje sería rápido lo que limitaría nuestra exposición al Covid.

Una de las principales referencias de la película es Mi noche con Maud (1969). ¿Por qué esa película es tan importante para ti?

Al comienzo de mi vida de joven aficionado al cine, vi Mi noche con Maud. La película me impresionó tanto que, cuando hice mi primera película, Mira a los hombres caer en 1994, le pedí a Jean-Louis Trintignant que fuera el protagonista.

En Mi noche con Maud dos hombres y una mujer, pero sobre todo un hombre y una mujer se pasan toda la noche hablando. Hablan de todo: de ellos mismos, de Dios, de Blaise Pascal, de la nieve, de la vida provinciana, de las chicas católicas, etc. Al final, las señales de una atracción mutua han quedado al descubierto, y aunque deberían caer en brazos el uno del otro y amarse, no lo hacen. ¿Por qué? Porque todo está dicho y la seducción, el erotismo y el amor se han canalizado solamente a través de las palabras. Darle una continuación habría sido superfluo.

¿Cómo se desarrollaría esta situación hoy en día cuando ocurre todo lo contrario? ¿Qué sucede realmente en nuestra era del Tinder y de “acostarse en la primera cita”? ¿Puede producirse un discurso amoroso en esas condiciones?

Sí, por supuesto, no tiene por qué haber ninguna duda. Pero, ¿en qué momento entra en juego este discurso? ¿Cuáles son las palabras y los protocolos?Ese es uno de los principales hilos narrativos de París, Distrito 13.

Cartelera del 8 de abril de 2022

Ya está aquí la cartelera de este fin de semana, encabezada por la esperada Animales Fantásticos: Los Secretos de Dumbledore, tercera entrega de la saga Animales fantásticos y dónde encontrarlos, que sigue las aventuras del peculiar magizoólogo Newt Scamander, interpretado por el ganador del Oscar Eddie Redmayne (La chica danesa, La teoría del todo, Los miserables). Impecable superproducción que gustará a todos los amantes del universo Harry Potter, en la que Albus Dumbledore encomienda a Scamander y sus amigos una misión que los llevará a enfrentarse con el ejército de Grindelwald.

Los amantes de los blockbusters y principalmente los fans de J.K. Rowling y la saga Harry Potter no podrán resistirse a este estreno, pero no sólo de blockbusters vive el hombre. Cinéfilos y espectadores de cine independiente, europeo y español también están en la mente de los distribuidores, que cada semana nos ofrecen lo mejor del panorama cinematográfico actual.

El hombre que vendió su piel ha sido la primera película tunecina de la historia nominada a los premios Óscar a la mejor película internacional y llega a los cines de la mano de Surtsey Films. Dirigida por Kaouther Ben Hania, con un reparto encabezado por Koen De Bouw y la bellísima Monica Bellucci, cuenta la historia de un refugiado sirio que abandona su país a través de la frontera con el Líbano para huir de la guerra. Para poder viajar a Europa y vivir en libertad con el amor de su vida, acepta que un famoso artista contemporáneo le tatúe la espalda y le convierta en una obra de arte viviente. Como cabe esperar, pronto se dará cuenta de que ha vendido algo más que su piel…

París, distrito 13 es el nuevo trabajo de Jacques Audiard. El director de películas como El profeta y De óxido y hueso, nos presenta una comedia dramática romántica ambientada en el barrio de Les Olympiades, en París en el Distrito 13. En este lugar reside un grupo de adolescentes que mantienen una intensa amistad. Por un lado está Emilie, que conoce a Camille, quien se siente atraída por Nora, que a su vez se encuentra con Amber. Son amigos, pero su conexión y libertad amorosa también les llevará a ser amantes, y a veces ambas cosas. En definitiva, una película iniciática, de exploración y descubrimiento con el estilo intimista que caracteriza la filmografía del cineasta.

Las cartas de amor no existen, escrita y dirigida por Jérôme Bonnell, se instala también en el género de la comedia dramática romántica para hablarnos de sentimientos. Su protagonista es Jonas (Grégory Montel), quien después de una noche de alcohol, se presenta en casa de su ex para confesarle sus sentimientos. Tras ser rechazado, termina en la cafetería de debajo de su casa y comienza a escribirle una carta de amor, olvidando todo lo que tenía que hacer ese día.

Tras un tímido debut (Les cobayes) Emmanuel Poulain-Arnaud se presenta en España con El test, una comedia sobre la familia, la maternidad y lo que ésta supone en los tiempos en que vivimos. Annie es la matriarca de una familia feliz y perfecta que controla con mano firme y amor. Pero, cuando un día encuentra una prueba de embarazo positiva que alguien olvida en el lavabo, se quiebra la paz de su hogar. De esta forma, comienza una intensa investigación para averiguar quién es el propietario del objeto.

La sobriedad y la inspiración clásica de Ariaferma conquistará a los nostálgicos. Leonardo Di Costanzo firma un drama carcelario contenido, filmado con precisión y brillantemente interpretado por Toni Servillo (La gran belleza). Ambientado en un recóndito lugar de Italia, nos sitúa en una antigua cárcel del siglo XIX que está en proceso de desmantelación, cuando la burocracia paraliza el proceso. Junto con un puñado de oficiales, un grupo de prisioneros se quedan atrás en una burbuja suspendida donde las reglas se vuelven confusas y se forman nuevas relaciones.

Hasta Ucrania nos lleva el documental Esta lluvia nunca cesará de Alina Gorlova. La cinta cuenta como Andriy Suleyman -de padre kurdo y madre ucraniana- escapa con su familia de la guerra civil en Siria en 2012 y se refugia en Lysychansk (Ucrania). Con el tiempo, vuelven a enfrentarse a la guerra cuando un conflicto estalla repentinamente en su país de acogida. No pueden huir de nuevo, y deciden quedarse allí, cerca de los enfrentamientos armados. Junto a los militares y el interminable flujo de combatientes heridos y refugiados desplazados, la población local intenta mantenerse en medio de los combates.

Al otro lado del planeta, El rezador, escrita y dirigida por el ecuatoriano Tito Jara, nos muestra a un timador que utiliza a una niña a la que, según dicen, se le aparece la Virgen María y a la que muchos consideran milagrosa, para sacar dinero con su don. Junto a los padres de la pequeña, montarán un negocio tan grande y lucrativo que inevitablemente se les escapará de las manos. Una historia de suspense y fanatismo, en una ciudad en la que la fe profesa se mezcla bien con la corrupción y el fraude.

Por último, Imanol Zinkunegi y Joseba González nos presentan La Orquesta terrestre (Orkestra Lurtarra), adaptación de la novela homónima de Harkaitz Canos, que también ha participado en el guion de la película. La película presenta la historia de Manuk y sus deseos por formar una orquesta, para lo cual tendrá que buscar la ayuda de algunos de sus alocados amigos.

Cartelera del 1 de abril de 2022

Por la puerta grande se asoma este viernes el spin-off de uno de los villanos más conocidos de Spider-Man: Michael Morbius (Jared Leto), un bioquímico que al intentar curarse de una extraña enfermedad de la sangre se infecta con una forma de vampirismo. Como cabe esperar Morbius es un súper blockbuster que no defrauda. Está hecha a lo grande y el abultado presupuesto de 75 millones de dólares reluce en pantalla. Al director, el sueco de origen chileno Daniel Espinosa, no le ha faltado de nada para orquestar la filmación y el resultado es más que notable.

Puede que Morbius eclipse el estreno de Sonic, la película 2, secuela de la cinta de 2020 basada en la franquicia de videojuegos publicada por Sega, que cuenta una vez más con el director Jeff Fowler para narrar una nueva aventura del famoso y veloz erizo azul.

Al margen de este combate de titanes, encontramos otras películas muy, pero que muy interesantes. Una de ellas es Ámame, un excelente drama escrito y dirigido por el argentino Leonardo Brzezicki que muestra el punto de inflexión al que llega un hombre totalmente a la deriva en su vida personal. Filmada con mucho estilo, a partir de un guion muy bien trabajado -un guion de esos en los que los silencios tienen la misma importancia que las partes de diálogo y donde la expresión de los actores forma parte de la narración-, Ámame cala hondo en el espectador y deja un poso de honestidad y verdad que merece la pena experimentar. Gran parte de su belleza está en la excelente interpretación de Leonardo Sbaraglia, que le ha valido el aplauso del público y de la crítica, así como la Biznaga de Plata en el festival de Málaga.

También llega de Málaga el nuevo trabajo de Daniel Guzmán. El actor que tan buenos momentos nos regaló en Aquí no hay quien viva se ha hecho un nombre en el panorama del cine y gracias a su buen hacer se ha ganado el respeto de la profesión y de la crítica. Canallas, protagonizada por el mismo junto a Joaquín González y Luis Tosar, sigue los pasos de tres amigos que se reencuentran después de veinte años. Brujo y Luismi siguen sin trabajo y haciendo trapicheos, mientras que Joaquín se ha convertido en empresario. Lejos de saborear el éxito, Joaquín sigue viviendo en Orcasitas en casa de su madre junto a su hija y su hermano. Las cosas podrían ir a mejor, pero también a peor… Y entre el drama y la comedia, Daniel Guzmán teje una historia que engancha por su sencillez y realismo.

Después de pasearse por Sundance, Sitges y el Festival Isla Calavera llega a la cartelera Atrapados en la oscuridad de James Ashcroft, una road movie de crimen y suspense sobre una familia que es asaltada por una pareja de aparentes vagabundos durante una escapada al campo.

Mass es el debut en la dirección de Fran Kranz, intérprete de películas como La cabaña en el bosque, Mucho ruido y pocas nueces o Tierra Salvaje. Con un reparto encabezado por Breeda Wool, Michelle N. Carter y Martha Plimpton, la película cuenta la historia de dos matrimonios que compartirán una larga discusión sobre un hecho trágico que les ha unido de por vida. Una excelente mezcla de drama y suspense que pone a su director en la lista de directores a seguir la pista.

Para Chiara es el tercer trabajo del italoamericano Jonas Carpignano, punto final de una trilogía ambientada en una ciudad de Calabria que narra la historia de la familia Guerrasio. Este capítulo final comienza con la celebración del dieciocho cumpleaños de la hija mayor de Claudio y Carmela. La ocasión reúne a la familia y los amigos, pero la alegría cesa repentinamente a la mañana siguiente cuando Claudio desaparece.

Por último, cabe reseñar tres documentales: Vaca, de Andrea Arnold, que como puede adivinarse por su título es un tierno reconocimiento a estos animales, y dos homenajes musicales. Uno de ellos sobre el impacto que tuvo sobre los Beatles su viaje a la India, titulado The Beatles y la India, y otro sobre el inolvidable concierto de la banda en la azotea de la sede de Savile Row de Apple Corps el 30 de enero de 1969 titulado The Beatles: Get Back – The Rooftop Concert.

Cartelera del 25 de marzo de 2022

Superado el miedo al Covid y con los alicientes de una pantalla gigante y un sonido espectacular, pocas excusas quedan para no disfrutar de una tarde de cine. La cartelera de esta semana, desde luego invita a ello. Este viernes 25 de marzo se estrena Camera Café, la película, de Ernesto Sevilla, con desternillantes interpretaciones de los archiconocidos Quesada, Julián, Marimar, Cañizares, Victoria y compañía, que en esta ocasión se enfrentarán a una tremenda crisis que está a punto de acabar con la empresa que tantas alegrías y disgustos les ha traído a su vida. Para evitar su cierra y sacar adelante a los trabajadores un nuevo director debe asumir esta ardua tarea. Esta persona no es nada más ni nada menos que Quesada, experto en escabullirse de sus obligaciones.

También llega a los cines, justo después de su presentación en Málaga, Llegaron de noche, nuevo trabajo de Imanol Uribe, protagonizado por Juana Acosta, Karra Elejalde y Juan Carlos Martínez. Ambientada en la ciudad de El Salvador, la película relata el cruel asesinato de seis sacerdotes jesuitas españoles y dos mujeres a sangre fría que tuvo lugar el de noviembre de 1989, durante la guerra civil que asoló el país. Un drama con altas dosis de suspense que apunta a los responsables de aquella masacre.

Desde Francia nos llega Adiós Señor Haffman, de Fred Cavayé. Una joyita del cine galo, basada en la obra homónima de teatro, que cuenta la increíble historia de un joyero de origen judío, su ayudante y la mujer de éste, durante la ocupación nazi. Protagonizada brillantemente por Daniel Auteuil, Gilles Lellouche y Sara Giraudeau, la película tiene un giro final que dejará al espectador con la boca abierta. En ocasiones, así queda patente en la película, el destino es caprichoso y totalmente impredecible.

También desde Francia nos llega A tiempo completo, segundo largometraje de Eric Gravel tras Aglaé, a prueba de choque, que sigue los pasos de una madre coraje dispuesta a hacer todo lo posible para compaginar el cuidado de sus hijos con un trabajo.

Alejada de la realidad, e invitándonos a una dulce evasión, está la esperada cinta de animación Belle, del prestigioso realizador japonés Mamoru Hosoda (Mirai, mi hermana pequeña, El niño y la bestia). La película es un deleite visual y argumental filmada con exquisito detalle que hará las delicias de los amantes del anime. Narra la historia de Suzu, una adolescente acomplejada atrapada en su pequeño pueblo de montaña con su padre. Pero en el mundo virtual de U, Suzu se convierte en Belle, un icono musical con más de cinco mil millones de seguidores. Una doble vida difícil para la tímida Suzu, que tomará un giro inesperado cuando Belle conoce a la Bestia, una criatura tan fascinante como aterradora.

La cima, de Ibón Cormenzana, es una historia de superación y compañerismo que sigue los pasos de un alpinista principiante que se enfrenta por primera vez a la montaña más peligrosa del planeta, el Annapurna, con el desafío de coronar su cima y cumplir así una vieja promesa.

Por último, aterriza en la cartelera el documental Los negros, escrito y dirigido por Antonio Palacios. La cinta narra el origen de la formación de la primera congregación religiosa negra, cuando en el siglo XIV, los esclavos traídos de África a duras penas sobrevivían en los arrabales de Sevilla y Gonzalo de Mena no sólo crea para ellos un hospital y una capilla, sino también una hermandad para integrarlos en la vida religiosa y social de la ciudad.

Crítica de Adiós, Señor Haffman

Un excelente trabajo actoral, una historia extraordinaria, un guion sembrado de frases memorables y una acertada fotografía hacen de Adiós Señor Haffman una de las películas francesas más interesantes de los últimos meses. Un drama en tiempos de guerra protagonizado por el reputado Daniel Auteuil, junto a Gilles Lellouche y Sara Giraudeau, que en estos duros momentos en los que Europa se estremece ante el horror de la invasión rusa de Ucrania, nos hace comprender mejor las consecuencias psicológicas de un conflicto bélico.

Daniel Auteuil y Gilles Lellouche mantienen un magistral ten con ten a lo largo de todo el metraje de Adiós Señor Haffman y el espectador apenas se dará cuenta del reducido elenco de personajes que pueblan la historia. El tercer vértice del triángulo protagonista, encarnado por Sara Giraudeau (El brindis, Un héroe singular), no desmerece en absoluto. Incluso cuando no hay diálogo, la actriz traspasa la pantalla y se comunica con apabullante sinceridad sólo con la mirada. Por todo ello no puedo más que elogiar el trabajo del director, Fred Cavayé, que reconozco humildemente que me tiene desconcertada. Poco o nada queda de sus primeras películas. Del thriller policial (Cuenta atrás) a la comedia (Manual de un tacaño) y de la comedia al drama de guerra, su filmografía es extrañamente heterogénea. Toda ella es notable, hay que reconocerlo, pero hace difícil encuadrar a Cavayé en un estilo propio. Al margen de esta observación, y centrándome en la película que ahora estrena, basada en la obra de teatro de Jean-Philippe Daguerre, Adiós Señor Haffman es impresionante por su tono intimista, que adopta casi obligado por la ausencia de otros escenarios que la joyería, su sótano o la vivienda que hay en el primer piso, por el trabajo de los actores y también por el inesperado final, que logra cortar la respiración al espectador y dejarle con la boca abierta. No es de extrañar que el público francés haya acudido en masa a los cines, logrando que la película supere en taquilla incluso a blockbusters internacionales (recaudó 1,3 millones de euros en sus primeros siete días en cartelera).

La historia arranca a la luz del día. Un joyero judío, el señor Haffmann, da forma a un precioso broche. Su ayudante se encarga de añadirle el cierre. La materia prima escasea y cada vez es más difícil comprar gemas y piedras preciosas, pero el talento del artista compensa con creces la compleja situación económica que vive el pueblo francés ante la ocupación nazi y logra diseñar joyas únicas de una gran calidad que son apreciadas por sus clientes. La inquietud y el miedo se respira en el ambiente y el señor Haffmann, de origen judío a pesar de ser francés, no tarda en percibir el peligro que tanto su familia como él mismo corren. Rápidamente dispone la huida de sus seres más queridos con la esperanza de reunirse con ellos muy pronto y llega a un acuerdo con su empleado, François Mercier, un hombre corriente que sueña con formar una familia con la mujer que ama, Blanche. Ninguno de ellos imagina lo que les depara el destino.

A medida que avanza la película, la luz que iluminaba las primeras secuencias se torna penumbra y bajo las sombras que inundan hueco el sótano de la joyería, recordando a las pinturas de Caravaggio, se precipitan los acontecimientos. El miedo provocará una horrible metamorfosis y ésta, a su vez, provocará una consecuencia tan terrible como milagrosa. Nada más diré al respecto para preservar la experiencia del espectador.

Adiós Señor Haffman es, en definitiva, un drama de guerra intimista contado a ritmo de thriller que hace mirar la guerra y la vida con otros ojos. Su extensa introducción, acelerado nudo e imprevisible desenlace conforman una historia sobre la vida misma. Como dice el comandante alemán (Nikolai Kinski) en un momento crucial de la película: la suerte, como la guerra, no es eterna.

Adiós Señor Haffman se estrenará en cines este próximo viernes 25 de marzo de 2022 de la mano de Vértigo Films.

Festival de Málaga 2022

Tras la resaca de la «red carpet» y la gala de inauguración, que estuvo marcada por la proyección de Código emperador, el festival comenzaba hoy con la presentación de dos estupendas películas: El test, de Dani de la Orden, y Alcarrás, de Carla Simón.

El test es la la adaptación al cine de la obra de teatro homónima, escrita por Jordi Vallejo, quien también firma el guión de esta película que compite en Sección Oficial del Festival de Málaga, para hacer reflexionar al espectador sobre la vulnerabilidad del ser humano y de cómo el dinero puede corromper a cualquiera.
En rueda de prensa, De la Orden ha descrito su nuevo trabajo como una comedia con tintes dramáticos. Esta simbiosis es lo que le ha parecido más difícil, es decir, “cómo despertar la carcajada del espectador sin perder el trasfondo realmente dramático que envuelve a sus personajes”, ha confesado.

El reparto lo integran Blanca Suárez, Miren Ibarguren, Alberto San Juan, Carlos Santos, Luna Fulgencio y Antonio Resines. La naturaleza teatral se palpa de principio a fin porque –entre otros aspectos- los diálogos cobran todo el protagonismo y el guion se desarrolla prácticamente en un mismo espacio. De la Orden ha destacado que le ha dado muchas vueltas a todo el rodaje y ha manifestado que le han surgido dudas continuamente. Al respecto ha aclarado que le encanta nutrirse y enriquecerse de sus dudas. Por esta razón le gusta evidenciarlas ante sus actores. Considera que ellos tienen perfiles altamente creativos y le gusta generar debate, intercambio de opiniones y desarrollar un trabajo participativo.

Cinco años después de ganar la Biznaga de Oro a la mejor película por su ópera prima (Verano 1993), Carla Simón participa en la Sección Oficial fuera de concurso con Alcarrás, un drama que muestra la precariedad de los pequeños agricultores, que le ha valido el Oso de Oro en la Berlinale.

Haciendo balance del proceso de creación, la directora ha reconocido que contar una historia desde el punto de vista de un agricultor de 45 años le ha supuesto una tarea difícil, por la dificultad de aproximarse a un punto de vista tan diferente al de ella misma. Simón tenía claro que quería retratar las energías y las emociones que conviven en una familia numerosa.

La directora también ha calificado el guion, escrito por ella junto a Arnau Vilarò, como altamente complejo. Desde el primer momento tuvo claro que sus actores tenían que ser gente de allí, del mismo municipio de Alcarrás, donde casi todo el mundo es agricultor, ha subrayado. Quería contar la historia desde dentro y desde ellos. Por este motivo la complejidad también ha persistido en el proceso de casting, en el rodaje e incluso en el montaje. El hecho de que no fueran actores profesionales también le ha exigido reformular continuamente su planificación y eso para ella es lo bonito de hacer cine, a pesar de la ardua dedicación que implique.

Código emperador inaugura el Festival de Málaga 2022

Arranca con fuerza la 25 edición del Festival de Málaga con el estreno de Código emperador, un potente thriller político dirigido por Jorge Coira (El año de la garrapata, Hierro) que sumerge al espectador en las cloacas del Estado. Luis Tosar, siempre perfecto en sus interpretaciones, da vida a un agente secreto que utiliza métodos poco ortodoxos para cumplir con su trabajo ganándose el menor número posible de enemigos. Una misión imposible en una España en la que el espionaje, el chantaje y la corrupción están a la orden del día. Le acompaña como cabeza de cartel Miguel Rellán, que ha recibido hoy la Biznaga Ciudad del Paraíso. El actor ha expresado que para él es un honor este reconocimiento a su trayectoria, porque tiene la sensación de que todavía está empezando y que le queda muchísimo por hacer, a pesar de su dilatado y consagrado currículum.

Tanto Jorge Coira como Jorge Guerricaechevarría, que han escrito mano a mano el guion han confesado inspirarse en la vida real con mucha cautela, lo que nos hace recordar otras películas que mostraban las altas esferas desde este prisma, como Lobo, de Miguel Courtois protagonizada por Eduardo Noriega y José Coronado, o Gal, también dirigida por Miguel Courtois con José Garcia, Natalia Verbeke y Jordi Mollá.

En la rueda de prensa, Coira y Guerricaechevarría han desgranado las claves de esta coproducción española, panameña y húngara. Ambos han coincidido en destacar que no querían limitarse a repetir lo que sucedía en la actualidad diaria de nuestro país, pero han reconocido que los titulares tan frecuentes sobre los casos de corrupción les han servido de punto de partida para inspirarse a construir esta historia, con la que pretenden generar debate y hacer reflexionar.

Premios BAFTA 2022

Los premios de cine de la Academia británica se han entregado este domingo 13 de marzo en el Royal Albert Hall de Londres. La ceremonia comenzó con un discurso del presidente de la Academia, Krishnendu Majumdar, quien expresó la solidaridad de la institución con Ucrania y con todos los afectados por otros conflictos en todo el mundo. La actriz Rebel Wilson, presentadora de la gala, dejó las palabras a un lado para mostrar su opinión al respecto de la guerra y de Putin, a quien dedicó una “peineta”.

La absoluta protagonista de esta edición de los BAFTA ha sido Jane Campion, que se ha llevado las estatuillas a la mejor película y la mejor dirección por su western moderno El poder del perro.

El premio al mejor actor fue para Will Smith por su interpretación del padre de las tenistas Venus y Serena Williams en El método Williams. El actor, que siempre despliega su simpatía allá donde va, aprovechó la ocasión para apoyar al pueblo ucraniano y defender la paz. El de mejor actriz fue para la británica Joanna Scanlan por su papel en After Love (Después del amor), un exquisito drama sobre una viuda que repentinamente descubre la doble vida de su difunto marido.

El premio a la Mejor película de habla no inglesa fue para la japonesa Drive my car, de Ryūsuke Hamaguchi, un excelente drama con sutiles vaivenes de drama, nostalgia y aire romántico, que también ha sido galardonado hace solo unas semanas al Globo de Oro a Mejor Película en habla no inglesa. Basada en el cuento homónimo de Haruki Murakami de su colección de cuentos de 2014, Hombres sin mujeres, la película cuenta la historia de Yusuke Kafuku, un actor y director de teatro, al que el espectador irá conociendo a medida que se suceden sus idas y venidas en el auto que conduce su introvertida chófer Misaki.

En la categoría de mejor película británica el BAFTA fue para Belfast, de Kenneth Branagh, un impecable drama social ambientado en la Irlanda del Norte de los años 60.

Encanto, de la factoría Disney, y Summer of Soul, de Ahmir “Questlove” Thompson recibieron los galardones a mejor película de animación y documental respectivamente.

También cabe destacar los premios a mejor actriz y actor de reparto, que fueron a parar a manos de Ariana DeBose por la apuesta musical de Steven Spielberg, West Side Story, y Troy Kotsur por su interpretación en la comedia dramática CODA, de la directora Sian Heder.

Palmarés

  • Mejor película: The Power of the Dog («El poder del perro»)
  • Mejor dirección: Jane Campion, «El poder del perro»
  • Mejor película británica: «Belfast»
  • Mejor actriz principal: Joanna Scanlan, After Love («Después del amor»)
  • Mejor actor principal: Will Smith, King Richard («Rey Richard: una familia ganadora»)
  • Mejor actriz de reparto: Ariana DeBose, West Side Story
  • Mejor actor de reparto: Troy Kotsur, CODA
  • Premio a la estrella emergente: Lashana Lynch, No Time to Die
  • Debut destacado de un escritor, director o productor británico: Jeymes Samuel (escritor/director), The Harder They Fall
  • Mejor película de habla no inglesa: Drive My Car (Japón)
  • Mejor documental: Summer of Soul (Or When The Revolution Could Not Be Televised) («Summer of Soul… o cuando la revolución no pudo ser televisada»)
  • Mejor película animada: «Encanto»
  • Mejor guion original: Paul Thomas Anderson, Licorice Pizza
  • Mejor guion adaptado: Sian Heder, CODA
  • Banda sonora original: Hans Zimmer, Dune
  • Mejor casting: Cindy Tolan, West Side Story
  • Mejor fotografía: Greig Fraser, Dune
  • Mejor diseño de vestuario: Jenny Beavan, Cruella
  • Mejor edición: Tom Cross, Elliot Graham, No Time To Die
  • Mejor diseño de producción: Patrice Vermette, Zsuzsanna Sipos, Dune
  • Mejor maquillaje y peinado: Linda Dowds, Stephanie Ingram, Justin Raleigh, The Eyes of Tammy Faye
  • Mejor sonido: Dune – Mac Ruth, Mark Mangini, Doug Hemphill, Theo Green, Ron Bartlett
  • Mejores efectos especiales: Dune – Brian Connor, Paul Lambert, Tristan Myles, Gerd Nefzer
  • Mejor cortometraje británico: The Black Cop
  • Mejor cortometraje animado: Do Not Feed the Pigeons

Cartelera del 11 de marzo

La sombra del trágico 11-M de 2004 entristece este viernes. Recordando a todos los que perdieron la vida en el atentado y animando a todos los que afectó, os invito a continuar remando con coraje y alegría en el inmenso mar que es la vida,

El confinamiento y el temor al contagio de Covid nos habían hecho un poco vagos, pero el huracán Batman, los Independent Spirit Awards y el inminente comienzo del Festival de Cine de Málaga, que este año celebra su 25 aniversario, nos han despegado un poco del sofá y nos han recordado que hay vida más allá de Netflix. Estar a la última en las series más vistas de las plataformas televisivas está muy bien. El rollo palomitas, mantita y pantalón del pijama mola, pero el sonido y la experiencia del cine también.

Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro nos proponen una de zombis con Malnazidos, protagonizada por Miki Esparbé, Aura Garrido y Luis Callejo. Ambientada durante la Guerra Civil española, sigue los pasos de Jan Lozano, capitán de la quinta brigada del último bando, cuando cae prisionero de un pelotón rival mientras realizaba una misión rutinaria. La única posibilidad de salvarse es realizando una misión suicida. Pero lo que nadie esperaba, es la aparición de un peligro aún mayor, algo por lo que tendrán que unirse los dos bandos para intentar vencer a esta amenaza: los infectados. El guion ha sido escrito por Jaime Marques Olarreaga y Cristian Conti.

Escape Room: La película, dirigida por Hèctor Claramunt, también ha contado con dos guionistas: el propio Hèctor Claramunt y Joel Joan. Juntos han confeccionado una comedia contemporánea de situación en la que cuatro amigos se verán obligados a sacar a la luz todos sus secretos y poner a prueba su amistad.

Entre serie y serie, el español Luis Prieto ha rodado en Estados Unidos El engaño (Shattered), un thriller con reparto americano (Lilly Krug, Cameron Monaghan, Frank Grillo) que cuenta la historia de Chris, un recién divorciado que se ha mudado a una mansión en la montaña. Allí se topa con la bella Sky en un centro comercial de la zona y conectan rápidamente. Sin embargo, Chris comienza a intuir que algo no marcha bien cuando la compañera de piso de Sky aparece muerta. La verdad no tarda en salir a la luz: Sky es una estafadora que le ha tendido una trampa.

El premio gordo de la semana (es decir, el top one de la taquilla) se lo llevará probablemente La protegida, nuevo trabajo de Martin Campbell con guion de Richard Wenk, cargado de acción y suspense para deleite del gran público. Cine palomitero, con grandes escenas de acción y un reparto de primera categoría encabezado por Maggie Q, Samuel L. Jackson y Michael Keaton. Intuyo que poco más hace falta para convencer al consumidor de blockbusters de los encantos de esta cinta, pero por si acaso contaré que narra la historia de Anna (Maggie Q) y Rembrandt (Michael Keaton), dos de los principales asesinos del planeta que comparten un turbio pasado en Vietnam. Durante años, recorrieron el mundo compitiendo por contratos con muchas cifras a cobrar. Pero todo cambia cuando el mentor de Anna, Moody (Samuel L. Jackson) es asesinado y ambos tendrán que trabajar juntos.

La cinta es brillante y muy entretenida, pero si tengo que recomendar una película, esa es Introduction, producción surcoreana (y con esto ya lo digo todo ya que desde hace unos años todo lo que llega de Corea del Sur es excelente), que cuenta la historia de Youngho, un joven que se debate entre su aspiración de convertirse en actor, sus líos amorosos y las expectativas de sus padres (un acupuntor de prestigio con quien mantiene una fría relación, y una madre que le anima a centrarse en su carrera). Cuando su novia Juwon decide viajar a Berlín para estudiar diseño de moda, Youngho la sorprende con una visita. Filmada en blanco y negro por el director y guionista Hong Sang-Soo, Introduction es una excelente oportunidad para entender la importancia de salir de nuestra zona de confort, de viajar y extender nuestras fronteras. Introduction tuvo su estreno mundial en el 71 ° Festival Internacional de Cine de Berlín en marzo de 2021, donde ganó el Oso de Plata al Mejor Guion. Hemos tenido que esperar un año para verla en la cartelera española, pero nunca es tarde si la dicha es buena.

También siento una especial predilección todo lo clásico por lo que no dejaré escapar la nueva versión de Cyrano de Joe Wright. El cineasta británico he dirigido verdaderas joyas como Orgullo y prejuicio, Expiación o Anna Karenina y esta nueva adaptación de la vida de Cyrano de Bergerac, novelista y dramaturgo francés del siglo XVII, promete estar a la altura de otros éxitos del director. El guion es fiel al texto del dramaturgo francés Edmond Rostand y cuenta la historia de Cyrano de Bergerac (Peter Dinklage), un hombre adelantado a su tiempo que deslumbra en cualquier enfrentamiento, tanto con su afilado ingenio verbal como con su punzante espada en un duelo. Pero, convencido de que su apariencia lo hace indigno del amor de su gran amiga, la brillante Roxanne (Haley Bennett), Cyrano no se decide a declararle sus sentimientos, hasta que ella se enamora a primera vista de Christian (Kelvin Harrison, Jr.).

La peor persona del mundo es otra de mis películas favoritas de esta semana. Dirigida por Joachim Trier, es un drama con pinceladas de humor que habla de lo difícil que puede llegar a ser abordar el paso a la madurez y la maternidad con sensatez. Su protagonista está a punto de cumplir 30 años y aún no sabe si su vida tiene algún tipo de sentido. Mantiene una relación sentimental con Aksel, un escritor de éxito mayor que ella que quiere asentar la cabeza y formar una familia, una clase de planes a los que Julia no está dispuesta a unirse. A lo tonto, el director filma con ingenio una crisis existencial en toda regla que hará pasar un buen rato al público de esta franja de edad.

Si el paso a la madurez es difícil, qué voy a decir de la adolescencia… Una etapa compleja para el propio adolescente y para todos los que le rodean. Charlène Favier nos muestra un ejemplo de cómo encauzar un carácter rebelde en Slalom, la historia de una joven que gracias a un entrenador entregado consigue llegar a lo más alto del podio.

Por último, esta semana tiene cabida en la cartelera la inclasificable Jackass forever, cuarta locura de Jeff Tremaine con Johnny Knoxville, Steve-O y Bam Margera.

Independent Spirit Awards 2022

Ya suman 37 las ediciones de los Independent Spirit Awards, los premios más importantes del cine independiente. Creados en 1984, estos galardones son otorgados por una organización sin ánimo de lucro cuya misión es defender la independencia creativa en la narración visual y apoyar a una comunidad de artistas que encarnan la diversidad, la innovación y la singularidad de la visión. Bajo este lema se ha proclamado en este 2022 como justa vencedora La hija oscura, de Maggie Gyllenhaal.

Adaptación de la novela homónima de Elena Ferrante, escrita por la propia Maggie Gyllenhaal, La hija oscura es un inquietante drama psicológico que aborda temas como la maternidad, la familia y la fragilidad de la mente humana, a veces presa de sus propios fantasmas del pasado. Protagonizada por Olivia Colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Ed Harris, Peter Sarsgaard, Paul Mescal y Dagmara Dominczyk, cuenta la historia de Leda (Olivia Colman) cuando durante unas vacaciones comienza a desarrollar una misteriosa obsesión con una joven madre y su hija que observa en la playa. Desconcertada por la cautivante relación de ambas —así como por el resto de la amenazante familia—, Leda se ve abrumada por sus propios recuerdos del temor, la confusión y la intensidad que vivió en su juventud. Un acto impulsivo le abre la puerta al siniestro mundo de su mente y se siente obligada a enfrentar las decisiones cuestionables que tomó cuando era una madre joven y las consecuencias que eso acarreó.

Sin duda, esta película pone el listón muy alto pero estoy segura de que su próximo trabajo no defraudará lo más mínimo. En esto del cine no existen las casualidades. Quién me iba a decir cuando en 2001 me asombró la apabullante interpretación de su hermano Jake Gyllenhaal que veinte años después, veintiuno para ser exactos, asistiría a su coronación, cinematográficamente hablando. Recién iniciado el siglo, Jake sorprendía a propios y extraños con aquella hipnótica Donnie Darko, en la que, por cierto ambos compartían pantalla como hermanos en la ficción. Ahora es el momento de Maggie. Mis mejores deseos para ella. Ojalá vengan muchas más, y, por qué no, mejores películas. De momento se lleva los premios a Mejor Película, Mejor dirección y Mejor Guion de los Independent Spirit. Ya veremos qué ocurre en los Oscar, donde parte con 3 nominaciones a los Oscar: mejor actriz (Olivia Colman), actriz de reparto (Jessie Buckley) y guion adaptado (Maggie Gyllenhaal). La resolución se dará a conocer el próximo 27 de marzo en la gala de la Academia de Hollywood. 

El Premio a la Mejor ópera prima fue para la comedia romántica 7 Days de Rosham Sethi, que sigue los pasos de una pareja obligada a refugiarse ante la propagación del Covid-19, y el de Mejor primer guion para Michael Sarnoski por Pig, una curiosa historia protagonizada por Nicolas Cage dando vida a un tipo solitario que se enfrenta a la desaparición de su amado cerdo buscador de trufas.

El Premio John Cassavetes, para la mejor película rodada con un presupuesto menor de 500.000 dólares fue a parar a Shiva Baby, escrita y dirigida por la canadiense Emma Seligman y que ya tuvimos ocasión de ver en el Festival de Toronto.

Los premios a mejor actriz y mejor actor fueron a parar a manos de Taylour Paige por su trabajo en Zola, también galardonada con el Premio al mejor montaje para Joi McMillon, y de Simon Rex por su papel protagonista en Red Rocket.

Los de mejor actriz y actor de reparto fueron para Ruth Negga por Passing y Troy Kotsur por CODA.

El Premio Robert Altman fue otorgado a Mass (Bleecker Street), del director Fran Kranz, y el Premio a la Mejor Dirección de fotografía fue para Edu Grau por Passing, un drama ambientado en los años 20 con el racismo como telón de fondo.

El Premio a la Mejor película internacional fue para una cinta que me ha gustado especialmente y que he recomendado a través de mi blog y mi perfil de Twitter. Se trata del drama Drive My Car del japonés Ryusuke Hamaguchi, basado en un relato corto de Haruki Murakami de su colección de cuentos de 2014, Hombres sin mujeres. Es una historia sencilla contada de manera excepcional, una de esas obras que se quedan en la retina y te acompañan durante mucho tiempo. Su protagonista es Yusuke Kafuku, un actor y director de teatro, que el espectador irá conociendo a medida que se suceden sus idas y venidas en el auto que conduce su introvertida chófer Misaki.

Por último, el galardón al Mejor documental recayó en Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised) del director Ahmir “Questlove” Thompson.

 El apartado de televisión también brilló en una gala que no olvidó el horror que están viviendo los ucranianos con la invasión orquestada por Putin. Hubo muestras de respeto y de cariño hacia el pueblo ucraniano, que se repiten en todos los rincones del mundo.

Reservation Dogs se llevó los premios al mejor guion y mejor reparto. Black and Missing, de HBO el de mejor serie documental, y Thuso Mbedu y Lee Jung-jae, los de mejor actriz y mejor actor de televisión por sus interpretaciones en The Underground Railroad y Squid Game, respectivamente.